Bologna - dal 31 maggio al 31 luglio - ESSE QUAM VIDERI

Esse Quam Videri

Dal 31 maggio al 31 luglio 2008


opere di Laura Aldridge, Sara Barker, Tim Facey, Lynn Hynd, Conal McStravick

testo in catalogo di Darren Rhymes

Inaugurazione sabato 31 maggio ore 19


esse

Esse Quam Videri è una mostra che riunisce il lavoro di cinque artisti emergenti sulla scena britannica e che condividono lo stesso clima culturale, strettamente legato alla città di Glasgow. Il titolo della mostra è un famoso motto di Cicerone tratto dal De Amicitia, e reso ancor più celebre da Niccolò Machiavelli che, parecchi secoli più tardi, lo ha riutilizzato invertendone il significato.
“Essere piuttosto che apparire” suona dunque come una proposizione etica che accomuna le intenzioni di tutti e cinque gli artisti, la cui pratica è intimamente legata alla necessità di sperimentare una sincera aderenza agli aspetti più concreti e fisici della scultura. Nel lavoro di ognuno degli artisti in mostra vi è infatti un’insistita attenzione ai metodi (più che al risultato finale), e a un processo che presuppone una forma di abbandono alle necessità materiali dell'opera.
Così se Laura Aldridge presenta una serie di lavori scomposti in elementi modulari con l'intento di introdurre lo spettatore in una dimensione che gli permetta di sperimentarne nuove forme di accessibilità della scultura, Sara Barker realizza strutture fragili e frammentarie, che si manifestano attraverso un processo che chiama in causa un sistema di riferimenti diversificato e spesso imperniato sulla letteratura. In bilico tra narrazione e “struttura”, le sue sculture sono forme alle quali è inestricabilmente legata un'idea di transitorietà, debolezza e ambiguità. Combinando materiali di scarto come carta, plastica e legno truciolato lavorato con pigmenti, Tim Facey sperimenta un linguaggio visivo che si muove attorno a un’idea di distruzione, riciclo e ricostruzione, sulla base di una rilettura della tradizione surrealista e di un immaginario fantascientifico legato ai romanzi di Ballard, Wells e Philip Dick.
Infine se Lynn Hynd incentra sulle potenzialità strutturali della linea gran parte del suo lavoro (collages monocromi e stampati, ma anche piccoli dipinti e sculture) esplorando la tensione tra superficie e profondità, bi e tridimensionalità, Conal McStravick utilizza il disegno come fosse un'attività sculturea, mettendone in risalto gli aspetti più fisici a scapito di quelli più strettamente decorativi.
Successivamente all'inaugurazione della mostra, che si svilupperà nei due spazi della galleria Fabio Tiboni, verrà pubblicato un catalogo con testo critico di Darren Rhymes.


Fabio Tiboni is pleased to bring together the work of five Glasgow-based artists: Laura Aldridge, Sara Barker, Tim Facey, Lynn Hynd and Conal McStravick, whose strong over-lapping visual concerns might be considered relative to their close working proximity in the same city. The exhibitions’s title, Esse quam videri is a motto taken from Cicero’s work On Friendship and is translated: To be rather than to seem; when inverted by Machiavelli: To seem rather than to be. As an ethical proposition, it forms the basis of relating the practices of the five artists, where the visual and verbal conundrum articulates the gulf between the definite and concrete, and the insincere or mock.
In each artist’s individual practice there is a keen emphasis on sculptural methods and the material demands of the finished work and explicit process within this. Emphasis lies with a reverberating relationship between two and three-dimensional form, and also the subsequent ‘staging’ of the work as a counterpoint between the whole and fragmentary.
Laura Aldridge presents sculptural props in modular elements to build a scene that forcefully engages the viewer with direct and brash physicality. Her interest is in the possibility of undermining and revealing the implicit rhetoric within the presentation of art works, in order to explore their accessibility within a sculptural framework.
Sara Barker makes fragmentary structures, in parts, evolved through a self-investigative process to expose the unprocessed tools of making, and exists with other works to punctuate a greater form, pattern or visual grammar. Often hinged around literature, both narrative and structural, namely the literature of Doris Lessing, this subtext orders the work with a framework, in which the weakness, duplicity and near breakdown of the physical material and that of character can be tested within a greater societal context.
In recent work, Tim Facey explores a visual language that moves between topographic and figurative perspectives, referring to the histories marked in the physical work created through a recycling and reforming process. Re-examining the surrealist imagery of personal destruction and its environmental consequences portrayed in the works of fiction by JG Ballard, H.G. Wells and Philip K. Dick he combines two and three-dimensional sculptural and relief works in paper, plastic, chipboard worked with pigment, recalling an interest in industrial production methods, Modernist utopian painting and the auto-destructive principles of Gustav Metzger.
Lynn Hynd characteristically fashions monochromatic collages of printed, painted and sculpted elements that concentrate on the structural involvement of line. Hynd defines this as one in which the dialogue between sculpture and painting, flatness and depth, and two and three dimensions, exploring the tensions between the painted surface and the inherent object-ness of these works, without their becoming exclusively identifiable as objects. Challenging the boundaries of a form, Hynd seeks to produce works suggestive in nature, opening the works up to possibly being seen as a trace of a work rather than a work in itself.
Conal McStravick, locates his practice within drawing as a sculptural activity, indicating a reaction to the role of drawing in relation to the built environment as a primary tool for defining physical function or decoration. Purposes that within his body of work are reconfigured through a vocabulary of anthropomorphism and pseudo- religious imagery to channel the conventions of artistic representation, in particular the classicality of high modernism and the simplified forms of post-modern architecture, whose ‘normalisation’ prescribe the moral hypocrisy and predicate the continuing rehabilitation of dualistic, didactic codes that subsequently adhere to these forms. Framing this are visual references to the orthodoxy of campness and the banal conformities of homosexuality as a historiographic concept.


Fabio Tiboni Arte Contemporanea
via Del Porto 50d, 40122 Bologna, Italy
tel/fax +39 051 6494586
info@fabiotiboni.it
www.fabiotiboni.it
martedì - sabato dalle 14 alle 20


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